Cuando nos preguntamos ¿qué es cultura? siempre viene a nosotros una doble respuesta. Atinamos a sugerir que la cultura es el conocimiento, lo erudito. Pero en realidad el concepto tiene dos acepciones, de las cuales esa es la primera, la cultura “del saber”, y la otra es la más relevante y la principal, la de la cultura en su dimensión social: Todo lo hecho por el hombre es cultura, su lengua, sus costumbres, sus creaciones.

Es por esta concepción amplia del quehacer humano, tan rico en pluralidad y diversidad, que la cultura se convierte en una sonrisa. La sonrisa del hacer, del crear, del descubrir. La que nos ofrece la música, la poesía, o todo el arte en su conjunto. Y es porque la cultura y la educación van de la mano, y hoy se hace imprescindible la educación en medios de comunicación.

Pero no solo de arte vive el hombre y la mujer, sino también del conocimiento que le permite avanzar hacia la mejor sociedad posible. En este sentido, es que muchas personas y organizaciones están trabajando en la actualidad para promover los valores y las ideas que empujen a los más jóvenes hacia el compromiso de trabajar, o al menos, vivir para una sociedad más justa.

Entre tantos ejemplos que podríamos mencionar, está el proyecto “Cronistas Populares” que se dicta en varios colegios públicos del Partido de Lomas de Zamora, y que pertenece a la FOC, Fundación de Organización Comunitaria. Este y otros programas son apoyados por el Ministerio de Desarrollo Social de la Nación y la Municipalidad de Lomas de Zamora.

En ella, alumnos de 1° a 6° año de las escuelas secundarias 226, 224, 324, 221 y 372, cuentan con la posibilidad de cursar los talleres de comunicación popular divididos en tres partes: radio, fotografía y video documental. Los talleres son gratuitos y opcionales para alumnos de esos establecimientos.

En Cronistas Populares se busca incentivar la libertad de expresión, promover el derecho a la comunicación y la participación comunitaria y ciudadana de los alumnos, quienes se convierten en cronistas y productores de sus propios programas de radio y videos documentales, todos ellos acerca de las problemáticas que viven de cerca. Y las prácticas finales de estos espacios son realizadas en los estudios de la Facultad de Ciencias Sociales de Lomas.

El objetivo es contar la realidad desde la visión de los chicos, sin preconceptos ni mediaciones de los grandes medios dominantes, quienes hablan con ligereza de “menores”, “pobres” o “pibes” sin acercarse a las causas de cada situación. En estos años que se lleva realizando el programa, ya se han trabajado temas como la discriminación, la violencia de género, el trabajo  infantil y la deserción escolar, entre otras.

De esta manera los chicos aprenden el detrás de cámara, como se tejen las noticias de los grandes medios y los mensajes que, en muchísimos casos, hablan de ellos mismos de una manera muy diferente a la realidad, como en programas de tv que se los suele mostrar agresivos, haraganes y desinteresados, haciendo un recorte completamente sesgado y falto de realidad.

En esta nota vamos a dar testimonio de eso y veremos dos documentales de 2010 realizados por alumnos de la Media 8 de Témperley y la ESB 324 del barrio Santa Marta de Banfield, que trataron temas como le exclusión educativa y la contaminación electromagnética respectivamente. Por otra parte, este año se realizaron varios trabajos nuevos, entre los que se destaca un documental sobre la identidad de Ingeniero Budge realizado por alumnos de 6° año de la Media 24 de esa localidad, que trata temas como el origen del barrio, de su escuela, la rivera del riachuelo y la masacre de Budge de 1986. Mientras esperamos la edición de este trabajo, escuchamos el informativo Budge 24 que sirvió como paso previo a la realización del video.

Al ver el desarrollo y los logros que generan este tipo de proyectos en los chicos, donde en muchos casos eligen seguir carreras afines a la comunicación o el arte, no quedan dudas que son ellos quienes tienen mucho por decir y enseñarnos, porque más allá de sus lógicas dudas e inseguridades, cuentan con un valor genuino y esencial: la honestidad, algo que muchos periodistas olvidaron hace tiempo.

La comunicación es un derecho, y la cultura, también. Ellos ya lo saben.

Budge 24 (Media 24)

 Mi Otoño es Verde entra en receso hasta marzo de 2012.

El 2011 que se está yendo fue un año, podríamos decir, muy garrafeano. Y es que nuestro D10S fue múltiplemente homenajeado, no sólo con canciones en el Lencho, sino con la doble inauguración de su estatua, primero en el Galpón d Banfield [ver nota] y luego con su instalación definitiva en la Sede [ver nota]. Y también con la finalización del rodaje de “El Garrafa: Una película de Fulbo”, el documental que tratará sobre José Luis Sánchez, y que es dirigida por Sergio Mercurio.

Entre tanto justo homenaje al Garrafa de la gente, siempre se cuela El Ángel de Banfield, canción de Charly Uranga, líder de Yeti Rock, la banda de rock de Banfield, que se completa con Esteban Bellucci en voz y primera guitarra, Facu Cersosimo en bajo, Maxi Javier Acosta en batería, y Agustín Di Stefano en coros y armónica.

Con motivo del recital que Yeti dará el 29 de diciembre en Franz Pub, Adrogué, Uranga hizo una semblanza de lo que significó para la banda banfileña este 2011.

“Arrancamos el año en Febrero con la integración a la banda de nuestro baterista Maxi Acosta, después de tocar con 2 bateros diferentes en 2010, año de transición en que hicimos pocos shows”. Además hay un sexto integrante estable, Esteban Pan Rodríguez, que ocupa el rol de segundo corista.

“En la primera mitad del 2011, hicimos un ensayo abierto en nuestra sala habitual Árbol Caído y a fines de julio comenzamos la grabación del disco El Ritmo de La Ciudad en el Estudio Nologia Sound Rec con la consola a cargo del genial Cristian Pérez Lencina. Pero este año lo recordaremos por sobre todo por recibir la invitación de Sergio Cherco Smietniansky para participar de la Película de Garrafa con nuestro tema Ángel de Banfield, lo cual fue y es el hito mas grande de la banda al momento, sobre todo sabiendo la trascendencia que la película va a tener”

De hecho, una escena estará dedicada a la banda: En una noche de Octubre el equipo de El Garrafa, realizó casi 2 horas de tomas en el estudio durante el ensayo del tema. “A eso le sumamos que conocimos personalmente a la familia de garrafa, en una reunión privada el día de la inaguración de la estatua, y ahí tuvimos la posibilidad de darle una copia del EP a Antonia, la mamá de el gordo. Es necesario aclarar que nunca me habían temblado tanto las piernas” Bromea un Uranga con tono de satisfecho.

Yeti estará terminando el próximo 24 de diciembre la grabación del disco después de 5 meses de arduo trabajo. Será una placa que dará un giro al sonido habitual de la banda incluyendo un saxo (Martin Schilder) teclado (Tony Leys) y la colaboración de su ex baterista Palomo Otero en acordeón. El disco saldrá a la calle en abril de 2012 y contará con 14 temas, entre los que se destacan, además de El Angel de Banfield, El Nacho, tambien es una canción Banfileña pero “más personal” y Noche y Niebla.

Jueves 29 de diciembre, 21:30 horas, Franz Pub, Avenida Espora 356, Adrogué. Banda Invitada: Nonopino. Entrada Libre y Gratuita. Ver evento Facebook

Por Hernan Bañez

Llegamos a fin de año y es hora de los repasos. Aquí vamos a hacer un anuario de lo que nos dejó, desde el arte, este 2011.

Con lo que respecta a las artes visuales y plásticas del ámbito local, el 2011 estuvo muy cargado de arte para todo el país. Los principales museos y fundaciones estuvieron inundados de exposiciones, muchas de ellas excelentes. De las cuales destacaremos y mencionaremos brevemente las más importantes.

Robert Doisneau en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta . Autodidacta, se hizo famoso por sus fotografías en blanco y negro de personas paseando por los distintos barrios de París y Gentilly en los años 50. Es especialmente conocida su foto El beso del hotel de Ville , mundialmente repoducida de todas las formas posibles y en todo tipo de objetos (tazas, alfombras, posters, cuadernos …)

Gran exposición de Arte Latino en los Estados Unidos en la Fundación OSDE . Fueron más de ochenta obras que dieron cuenta de la construcción de la identidad latina en el país norteamericano. Estuvo organizada junto al Smithsonian Latino Center de Washington y contó con la colaboración de la Embajada de los Estados Unidos en la Argentina.
En la misma fundación durante septiembre, se expuso la retrospectiva del gran escultor argentino Norberto Gómez . Llamada “De héroes, monstruos y monstruosidades” y fue curada por Ana María Battistozzi.

En relación a las retrospectivas, se realizó durante el mes de mayo en el Palais de Glace ;la de Carmelo Arden Quinn . Uno de los principales representantes del movimiento Madí y sus obras se exhibieron junto a las de otros artistas madíes.

El toque internacional orientado al arte tecnológico estuvo presente durante julio en la exhibición de las preciosas obras del californiano Jim Campbell, en el Espacio de la Fundación Telefónica.

El Salón Nacional de Artes Visuales cumplió cien años y los festejó con la muestra con Cien x cien , un recorrido a través de cien obras de grandes maestros nacionales que han sido premiados en el Salón.

En fundación PROA por primera vez en Argentina, una visión retrospectiva de la obra de Louise Bourgeois que, tal como sintetiza Philip Larratt-Smith, fue “el primer análisis en profundidad de su relación con el psicoanálisis y el arte”. Alrededor de setenta y cinco obras en exhibición de los diversos períodos de su producción: instalaciones, esculturas, objetos y una de sus famosas Maman.

También en PROA Sistemas, Acciones y Procesos. 1965-1975. Más de cien dibujos, pinturas, esculturas, fotografías, videos y registros de performances y acciones artísticas de un período histórico clave: las décadas del 60 y 70. Explosión creativa, intensidad política y redefinición del lugar del arte en la sociedad a la luz de diez años determinantes.

También fue un año muy destacado ya que se realizó un impecable y sofisticado trabajo en las renovadas salas de la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes.

En el marco de los festejos por el 10º aniversario del museo, Malba presentó la primera gran retrospectiva en nuestro país del artista franco–venezolano Carlos Cruz-Diez.

La exposición presentó una selección de más de 120 obras realizadas desde 1940 hasta la actualidad, que acercan al público local la extensa producción de un artista central para el arte del siglo XX, gracias a sus contribuciones teóricas y plásticas sobre la percepción del color. Se incluyen pinturas, dibujos, serigrafías, estructuras y ambientes cromáticos, además de maquetas y un video documental sobre sus proyectos de intervenciones urbanas. Se puede visitar hasta el 5 de marzo de 2012

Malba. Diez años. Esta muestra permite al público recorrer en imágenes y relatos los diez años de Malba, su producción y aportes a la cultura local, regional e internacional a través de diferentes soportes. La muestra se encuentra organizada bajo cuatro “estaciones” que marcan el guión curatorial.

Este fue un resumén de las muestras y exposiciones más importantes del año, que seguramente marcarán a la cultura Argentina. Esperemos que el 2012 sea otro gran año y que el ciudadano común se quite el temor de visitar museos, galerias, fundaciones, centros culturales, etc. ya que nos pertenecen a todos y son un gran aporte a nuestra cultura.

Bienvenido el 2012 y vamos Banfield todavía, ahora más que nunca todos tenemos que tirar para el mismo lado.

Por Martín Liberatore.

“John no se murió” aseguran las abuelas de mi barrio. Y no son pocos los que se arriesgan a decir que viviría de incógnito en nuestro país, más precisamente en El Bolsón, junto a Elvis y Jimi en una casita baja a orillas del Quemquemtreu.

Pero mas allá de estas versiones dignas de una investigación de José De Zer, no nos podemos poner colorados si afirmamos que John está vivo en el rock latinoamericano. La impronta lennonista en el rock sudaca es clara, no solo en su herencia compositiva y estilística, sino también en la variedad de covers que nuestras bandas hicieron de su obra.

Y no solo fue cosa de grabar sus canciones, sino también de darles ritmos nuevos, latinoamericanos. Tal vez la más famosa reversión de un tema compuesto por Lennon es el Strawberry fields forever en tiempo de ska, de los Fabulosos Cadillacs editado en Rey Azucar. En la misma línea tenemos el hermoso It’s only love en la dulce voz de Midnerély Acevedo de Mimi Maura.

Pero hay otras versiones menos conocidas de la obra de Lennon en el rock argento: El Jealous Gay de Pedro Aznar en Quebrado, Birthday por Palo Pandolfo, What Ive Done de los Durabeats con la colaboración de Gustavo Cerati, la curiosa Eleanor Rigby de O´Connor o la serie de covers que hicieron los chicos de Smiten, muchas de ellas en español. Ni que hablar de Ella es tan cargosa, que tributaron el nombre de su banda a un tema de John.

Brasil le dio un sabor bossa nova a las canciones de los Beatles con Rita Lee y su Bossa’n Beatles, un disco brillante que se contrapone a la aburrida Help! De Caetano Veloso en portugués.

De Bariloche salió otra gran pieza tributo con la obra del conjunto andino “La Fragua”, que hace canciones de los Beatles con instrumentos y ritmos autóctonos, entre los que encontramos una versión chamamé de Yellow Submarine. Y no podemos dejar de lado el “Demasiado Beatles” que en 2009 editó Charly García.

De otros lados de América llegaron más tributos a los cuatro de Liverpool, como el de Los Bunkers de Chile, los The Beatales de Uruguay (al estilo Danger Four) pero donde se destaca “El Álbum Vede”, un tributo de bandas reggae en el que participaron Pushin de Costa Rica, Antidoping de México, Planta y Raiz de Brasil y los chilenos de Gondwana, entre otras bandas argentinas.

Pero la Copa América lennoniana se la lleva Paraguay, pues allí en 2000 se editó el disco “Lennon Vive- Un tributo del Rock Paraguayo”.

El rock guaraní nació tímidamente en los años ´70, cursó su infancia recién en los ´80 cuando debió resistir a la dictadura de Stroessner. En este marco poco propicio, el rock de Paraguay fue creciendo entre una reducida población de apenas 7 millones de personas que no ayudaba a la expansión de un mercado para el rock. En la década del ´90, y con la transición democrática, se promueve una gran proliferación de bandas, entre las que se destacan El Templo, Paiko, Gaia, Area 69 y Deliverans, entre otros. Con apenas 30 años de historia, la actualidad del rock paraguayo está más vinculada a géneros como el metal y el trash metal.

Y en este sentido escuchamos a Lennon Vive, un disco ecléctico en géneros y estilos que no escapa al espíritu del rock del resto de Sudamérica.

El disco está realizado por 12 interpretes, el cuarteto Paiko, la banda más emblemática del rock paraguayo, aporta con su sonido mitad Paralamas, mitad flamenco, sus bonitas versiones de Woman, Stand By Me y Instant Karma, curiosamente las 3 dobladas al español. El trío de influencia dark Deliverans se encarga de las versiones de Dear Prudence y Watching the Weels, con algún sonido spinetteano dando vueltas.

Steel Rose es la banda de metal mas importante de Paraguay, y son ellos quienes hacen una excelente versión de Power to the People y también son responsables de Cold Turkey (lo mas arriba del disco). En la cara opuesta está el coqueteo erasuresesco de Limón Sutil, un trío indie-pop, con una memorable versión de Love.

Cecilia Enriquez nos enamora con su voz en una versión en tiempo de jazz de Just Like Starting Over. La impronta de Perl Jam (muy bien entendida) está en El Templo con dos temas, Dream #9 y una preciosa versión de Jealous Guy. Claro, un tema tan hermoso no puede ser arruinado ni por Pity Álvarez.

Los puntos mas altos del disco son los temas súper rockeros de Gaia, sobre todo I Don’t Want To Be A Soldier. Este disco tiene un invitado de lujo: Litto Nebbia para otra versión de Woman.

El rock paraguayo aun está en pañales. Pocas de sus bandas tienen sitio web oficial y las más importantes apenas tienen 5 discos publicados, pero hay gran actividad de recitales y la efervescencia está en marcha. Y si con un mercado tan pequeño y un contexto de dictadura hasta 1989 fueron capaces de realizar tan excelente tributo a John Lennon, no quedan dudas que su legado esta vivo en Paraguay.

Escuchá online dos de estas canciones.

Jealous Guy – El Templo

Power to the People – Steel Rose

Por Hernán Bañez.

Nota publicada en Revista Yo Soy La Morsa Nº22 - Diciembre 2010

Hoy en MOEV decidimos volar sin escalas hacia el norte, para visitar imaginariamente a los pueblos de Bolivia y Perú, y de esta manera conocer la hermosa música andina.

Es la música que resulta de las culturas quechuas y aymara, es un género musical que utiliza cuatro instrumentos básicos: la zampoña, el charango, la quena y el bombo. La cultura quechua, matriz del imperio incaico, nació en la sierra peruana central y aun no se sabe mucho del origen, y menos aún se logra entender cómo pudo organizar en menos de mil años el llamado milagro del Incanato. El Imperio del Tihuantinsuyo, así se llamaba realmente, ya que Incas eran quienes ejercían el poder máximo, se extendía desde Colombia hasta Chile y Argentina, y su capital fue el Cuzco.

Entre las muchas expresiones religiosas y cosmológicas dentro de la vida del pueblo quechua sobresalía la fiesta. La abundancia de comida y de bebida era características de estas celebraciones. Mascar coca y fumar cigarros, la música y el canto, danza y disfraces, velas y el olor a humo.

La música para los pueblos andinos acompañaba las ceremonias religiosas y rituales relacionados con la agricultura y en celebraciones del ciclo de la vida.  En las comunidades aymara la música y el baile no sólo representan la solidaridad del pueblo indígena con su tierra, sino también expresaba la unión con los coterráneos. Las danzas tradicionales son una parte muy importante de las ceremonias en las cuales aún hoy en día, se venera a la madre tierra llamadala Pachamama.

A estas fiestas religiosas del altiplano se unen los instrumentos aymará y quechuas y aparece el charango, semejante al ukelele americano, con la diferencia de que la caja de resonancia se hacia con el armazón del animalito llamado por los quechuas kirkincho;la Quenaes un instrumento de caña y es el principal de los conjuntos bolivianos y peruanos; el Sicus o ayarachi de los bolivianos; la pusa, instrumento de caña llamado en Bolivia zampoña que es la antara de los peruanos, la laca, en aymará es siku y se lo confunde con la zampoña. la anata, flauta de caña de sonido muy suave, el pututo, instrumento hecho con un cuerno, el pincullo, similar a una quena, y la tarka, flauta de madera.

Hacia el norte, y con la contaminación (o sincretismo) de otras culturas, aparecen las cajas y los bombos; panderos cascabeleros, pitos, flautas, matracas, acordeón, arpas y guitarras.

Uno de los instrumentos musicales más antiguos sería el Punkulu, su confección se realizaba con materiales óseos, hasta llegar a las actuales cañas de diferentes vegetales, especialmente el bambú.

Todos estos instrumentos son prehispánicos, como las variantes de la quena. Algunas de las músicas típicas de las regiones orientales amazónicas y chaqueñas y andina bolivianas son el carnavalito, el taquirari, la chovena, el kaluyo, o el huayño.

Una curiosidad: La canción titulada “Llorando se fue”, del compositor boliviano Ulises Hermosa, fue grabada en 1989 por el grupo francés Kaoma y se convirtió en un éxito mundial con el nombre de La Lambada. Si señores,La Lambada es boliviana y de origen Aymara ¿que tal?

Como vemos, la herencia de los pueblos andinos es basta y aun tenemos que aprender mucho de ellos. Es una cultura rica, alegre, llena de color y algarabía. La música de la Pachamama está muy arraigada en muchísimos artistas nacionales que han tamizado la herencia andina al rock, como Sinagua, Arbolito, Las Manos de Filipi entre muchas otras. Y además, como nada escapa al progreso, y así como el tango tuvo su paso al ritmo electrónico, la música  del Tihuantinsuyo fue notablemente remodelada por el dúo Gallo y Emilio de Ángeles, una agrupación electrónica que le puso maquinas a la herencia andina, y desde nuestro punto de vista, no ha quedado nada mal.

Escuchá “Resistencia” (o Aguante la Pachamama) de Sinagua.

Por Hernán Bañez

De vez en cuando la vida nos besa en la boca y a colores se despliega como un atlas, nos pasea por las calles en volandas canta un catalán que conocemos. Y es que la vida se despliega allí, en la calle, y choca con la realidad de los medios tal como decía Aníbal Ford. Y es en la calle donde nos encontramos a artistas únicos, e irrepetibles como Julián San Miguel.

Julián nació hace 34 años en Concordia, Entre Ríos, pero hace varios años había venido a Buenos Aires a probar suerte como músico, siendo el violín su instrumento predilecto, y fue Monte Grande su lugar elegido para vivir.

Si viajaste en la línea B del subte, seguramente alguna vez lo viste, ya que en ese medio de transporte se ganó la vida durante unos 10 años: Era famoso por interpretar temas de Metallica y Los Redondos entre otras bandas de rock que, difícilmente, pudieran encontrar versiones de sus canciones en un instrumento como el violín. Con el correr de los años, fue ganando prestigio y el cariño de las personas que tenían el gusto de escucharlo en el regreso de un día de trabajo. Y en ese ambiente laboral creó un género musical, el Flash Metal, que es “una fusión entre los ruidos del subte y las melodías que salen de su violín”.

Su simpatía y don de gente iban acorde a su excelso conocimiento que tenía de su instrumento. Su carisma y buen humor eran los mejores compañeros de los acordes que salían de su violín. En los últimos años además, había comenzado a actuar en eventos privados y estaba preparando su primer disco solista.

Julián, o Chatón, como se autodenominaba, fue parte de la excelente campaña de publicidad devenida en documental de Nextel llamado DoRePrip!, que fuera ganadora de múltiples premios. En este documental, 13 músicos callejeros de Buenos Aires y Rosario contaban su experiencia de trabajar en subtes, plazas y peatonales, y conformaban una verdadera megabanda que interpretaba una versión (muy) libre de Rock and Roll All Nite de Kiss, y que se coronara con una maratónica gira de 36 horas por Mendoza, Córdoba y Mar del Plata. En ese documental, expresó la genial frase “Para mi el éxito es que la gente pueda erizarse la piel”.

Pero de vez en cuando la vida nos gasta una broma y nos despertamos sin saber qué pasa. Y eso nos pasó el día que nos enteramos que ese subte que fue fuente de trabajo de su vida, fue el mismo que se la quitó: Julián sufrió un accidente en la estación Malabia y emprendió un viaje más en una tarde de agosto.

Después del accidente, las expresiones de cariño, amor y deseos de buen viaje se multiplicaron en Internet, en sitios como Taringa, Twiter y BlaBlaBla, sólo por mencionar algunos. Nextel hizo un emotivo comentario en su apartado de DoRePrip!.

Hoy, a cuatro meses de su última gira, MOEV se suma al recuerdo de este gran artista y amigo que tendrá su merecido homenaje el sábado 17 de diciembre en Espacio Urbano, Acevedo 460, Capital Federal, dónde una serie de colegas de Chatón que han compartido escenario con él  a lo largo de sus 10 años de carrera, interpretarán temas de  su primer disco solista que será presentado en sociedad.

El encuentro será gratuito y constará con músicos en vivo, la reproducción del documental DoRePrip!. El disco se podrá bajar en forma gratuita de su sitio web. Sus amigos y familia te invitan a este evento para recordarlo de la mejor manera: con alegría.

Blog oficial de Julián San Miguel
Facebook homenaje a Julián
Página de DoRePrip!

Por Hernán Bañez

“Un hombre de 78 años quiere volver a jugar al fútbol después de varias décadas de inactividad, pero su deseo debe enfrentarse a las consideraciones de su médico y la preocupación de su esposa”. Este abstract pertenece a “Otro Domingo” un corto de Armando Doria, un periodista hincha de Banfield que hace 5 años está a cargo del Área de Medios de Comunicación de la Facultad de Exactas UBA, y produce videos para agencias de noticias del exterior. “Si bien escribo relatos y guiones, todavía nada vio la luz” cuenta Armando. También administra el muy buen blog de rock La Pierna de mi Abuela.

El corto está grabado “en el antiguo Lencho hace un par de años, las imágenes las tomé en un partido frente a Gimansia en el apertura de 2006, aquel en el que el devenido pingüino Pepe Sand erró un penal”. Además del Lencho, hay tomas en la puerta del ya mítico Gimnasia y Esgrima de Lomas de Zamora. Disfrutalo.

Dirección: Armando Doria
Asistente de dirección: Paula Bassi
Formato original: DV Pal
12 min. Argentina, 2007

¿Quién no ha escuchado alguna vez las frases “Qué suerte tengo para las desgracias”, “Lechuga para el canario”, “Ay, qué barbaridad, lo tenía acá, ahora lo tengo allá”, o “¡Uyuy, cómo pega la gorda!”?.  Frases cuyo autor, no es más ni menos que José Biondi, popularmente conocido como “Pepe”, un vecino ilustre de Banfield.

Nació el 4 de septiembre de 1909, en el barrio de Barracas. Fue tercero de 8 hermanos, de padres inmigrantes napolitanos, José Biondi y Ángela Cavalieri. Luego de un tiempo pasaron a vivir a Banfield, allí conoció el dolor de la pobreza, y fue también allí donde nació su gran futuro como artista.

Por los albores del año 1916, había llegado al barrio el conocido Circo Anselmi, y se había establecido en un baldío a unos pocos metros de su casa. Un día de esos, Pepe se encontraba en la puerta de su casa realizando morisquetas y acrobacias, y fue observado por uno de los integrantes del circo, Juan Bonamorte, más conocido como Chocolate. Inmediatamente habló con los padres de Pepe para integrarlo al espectáculo del circo, sus padres lo aceptaron dadas sus condiciones económicas, sin saber lo que le esperaba en un futuro.

Así, una vez que el Circo Anselmi partió para iniciar su gira, ya habían empezado los problemas para Pepe, ya que en sus ensayos como acróbata, recibía terribles palizas y humillaciones por parte de su maestro Chocolate.

Pasó 5 años conviviendo con los maltratos como rutina diaria, hasta que decidió volver a Banfield. Una vez aquí, y debido a las condiciones económicas de su familia, tuvo que realizar varias actividades para ayudarlos: trabajo de canillita y de lustrabotas en el barrio de Constitución, esperando así el momento para volver a retomar lo suyo, la acrobacia.

Un día, se volvió a encontrar con un viejo amigo con quien trabajó en el circo llamado Napoleón Seth, juntos hicieron dúo durante un par de años. En ese tiempo trató de aprender bastardilla, aunque su preferencia siempre era la acrobacia. Se presentaban a muchos circos con un moderado éxito, hasta que debido a algunos desentendidos decidieron separarse.

Unos meses después formó dúo con un conocido acróbata, Peter, con quien realizaron varias presentaciones por Buenos Aires y Montevideo, pero sin obtener el éxito deseado. Después de formar equipo por más de un año, el dúo se separa. En ese tiempo, Pepe había conocido a Zalman Ber Dvorkin, apodado Dick, quien pasaría a ser su compañero los próximos 23 años.

Se conocieron en el Circo Londres. Al dúo le iba de maravillas, tuvieron éxitos en el circo primeramente, y luego en varios espectáculos, así fue que llegaron al Teatro Cosmopolita, donde obtuvieron su mayor éxito. En mismo año, 1933, conocería a María Teresa Moraga, o Teresita Maggi, cantante de tango, con quien contraería matrimonio al año siguiente y con quien tendrían a Margarita, su hija.

En 1941, durante una de sus giras, Pepe sufrió un grave accidente durante una acrobacia y se fisuró la columna vertebral, esto le impediría realizar acrobacias por el resto de su vida. Sin embargo, el dúo se las ingenió para crear un nuevo espectáculo, sin las acrobacias que acostumbraban. Esta vez, estaría basado en chistes y alguna que otra pirueta que Pepe podría realizar.

Esta faceta les resultó mejor de lo que habían imaginado y al poco tiempo empezarían a ser llamados desde el extranjero, primero por América Central, y luego México. Aquí, obtuvieron uno de sus mayores sucesos, ya que el público se encantaba con cada uno de sus espectáculos y siempre pedían uno más. Después de esto fueron a Cuba, y posteriormente emprendieron una gira por Europa; se presentaron en España y Portugal, con grandes shows en ambos países.

Ya en 1952, Pepe y Dick vuelven a México. Ese mismo año debutan en la televisión mexicana, pero su consagración en la pantalla chica llegaría en 1953 con el programa El Show de Dick y Biondi. Luego continuaron en Cuba con el show que los caracterizaba continuamente.

Sin embargo en 1956, llegaría la separación del consagrado dúo de humor, Dick se sentía opacado por Pepe, y decidió continuar su carrera en Europa. Pepe recibió la oferta de Goar Mestre, un empresario de la televisión que le ofreció un elenco para seguir trabajando con su figura al frente del programa. Pepe aceptó y así salió al aire por dos años con su programa El show de Pepe Biondi, que fue líder en audiencia durante su puesta al aire.

Pero en 1958, Pepe sería secuestrado por dos miembros del movimiento 26 de Julio bajo la consigna “En estos momentos, Cuba no debe reír”. Este hecho provocó que Biondi abandonara Cuba, tras un homenaje realizado en su honor en el Teatro Nacional. Tres años después, y nuevamente de la mano de Goar Mestre, debutó en la televisión Argentina; fue por Canal 13 con su programa Viendo a Biondi, destacándose en sus sketchs con un gran elenco , integrado por Delfor Medina, Mónica Grey, Gladis Manzini, Jaimito Cohen, Luisina Brando y el cubano Pepe Díaz Lastra. Su programa estuvo al aire durante diez años liderando el rating.

No obstante, sus problemas de salud no le permitían realizar sus actividades con normalidad: ya había sufrido dos afecciones cardiovasculares y había pasado por varias operaciones en su pierna, que lo tenían a maltraer. En 1972, Canal 13 realizó un programa especial en su homenaje, para así despedirlo de la pantalla chica; su última emisión en Tv fue Biondirama, transmitido por Canal 11. Falleció el 4 de octubre en1975, a los 66 años de edad.

Dueño de un estilo único, histriónico y carismático, Pepe fue de esos genios que nunca van morir, ya que al igual que otra vecina ilustre como Catita, ha marcado a fuego la historia en el mundo del humor.

Pepe Biondi, de Banfield para todo el mundo.

Por Agustín Arámbulo

La imagen central es una ilustracion de Pablo Carrasco

De impecable y vastísima producción creativa, con una energía y vitalidad envidiables, siempre sonriendo y alegre. Estas son cualidades que cualquier persona que haya conocido a Martín Blaszko va a destacar sobre su figura. Más allá de la estética y características de su obra, nadie puede negar que sus obras, bajo las premisas del Grupo Madí, marcaron una etapa distintiva en el mundillo de las artes visuales.

Martín Blaszkowski nace el 12 de diciembre de 1920 en Berlín, Alemania. En el año 1933 abandona ese país y se instala en Polonia, donde estudia dibujo con Henryk Barczynsky y con Jankel Adler. En 1938 visita París y se vincula a Marc Chagall, momento fundamental donde se pone en contacto con el arte abstracto. Al año siguiente se establece enla Argentina. Hacia1945 conoce a Carmelo Arden Quin, con quien participa en el Grupo Madí desde 1946. Madí es un arte no figurativo con base geométrica que buscaba consolidarse en el espacio trabajando la minuciosidad, la percepción, la precisión y la interacción de las formas para encontrar su propio reacomodo, sin que el artista pudiera intervenir mucho. Es considerado como el primer movimiento cultural internacional lanzado desde Argentina con una propia y clara propuesta hacia las distintas disciplinas artísticas.

Blaszko durante la década de los cuarenta produce pinturas de marco recortado y formas tridimensionales (propias del Madí) que, más tarde, tomaron un impulso ascensional transformándose en monolitos, torres y columnas.

En 1952 realiza un proyecto para el Monumento al Prisionero Político Desconocido, expuesto enla Tate Galleryde Londres y es premiado por el Institute of Contemporary Art, de esa ciudad. Con el crecimiento de su figura y gracias al reconocimiento del circuito del arte argentino, integra la representación argentina enla II Bienal Internacionalde San Pablo y en 1960 es incluido en el envío argentino realizado a la Bienal de Venecia. Luego de estas dos importantísimas participaciones en las Bienales en 1958 es seleccionado para participar enla Exposición Universalde Bruselas, en la que obtiene la Medalla de Bronce. En 1961la Galería Lirolayle organizala exposición Quinceaños de escultura, con selección y prólogo de Germaine Derbecq.

Este artista de origen berlinés, que desde 1959 adopta la nacionalidad argentina, suma la producción teórica a su trabajo creativo. Entre sus escritos cabe mencionar “La escultura y el principio de la bipolaridad”, revista Leonardo, Oxford (1968); “Nace una escultura”, revista Sculpture International, Oxford (1970) y “La realización de una escultura”, revista Leonardo, Oxford (1971). Enla Novena Conferencia Internacionalde Escultura, realizada en 1976 en Nueva Orleans, plantea su posición enla disertación Monumental Sculptureand Society.

Obtiene importantes reconocimientos, entre ellos, el Premio Adquisición en el Salón de Mar del Plata, 1959; el Gran Premio de Honor en el Salón Manuel Belgrano, 1960; el Primer Premio en el Salón de Córdoba, 1960; el Premio Cámara de Representantes de la Nación en 1973 y el Premio Open-Air Museum, Hakone, Japón, 1991.

Su obra Júbilo (1986) realizada en aluminio pintado se encuentra en el Parque Centenario de la ciudad de Buenos Aires y El canto del pájaro que vuela está emplazada en Utsugushi-Ga-Hara, Japón, logrando cumplir dos grandes sueños que siempre habían sido muy alentadores.

Entre las exposiciones recientes merecen destacarse la realizada en el Bank of Interamerican Development (BID) en Washington (1984) y su participación en Latin American Artist of the XX Century, Museum of Modern Art, Nueva York, 1990; en Argentina. Arte Concreto Invención 1945. Grupo Madí 1946 enla Rachel Adler Gallery, Nueva York, 1990; en Exposición de Arte Madí, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, 1997 y en Abstract art from Río dela Plata. Buenos Airesand Montevideo 1933/53, The Americas Society, Nueva York, 2001.

Durante la última década se dedicó a la producción de obras de distintos formatos y, como durante toda su carrera, buscando nuevos medios expresivos. Lamentablemente falleció el 9 de agosto del corriente año, dejando un legado valiosísimo para nuestra cultura.

Por Martín Liberatore

Podía ser una gran noche, y así lo fue. Joan Manuel Serrat desplegó su magia (musical) en el Lencho Sola. El catalán, célebre hincha del Barcelona, tocó en la cancha de Banfield en el marco de los festejos por el 150 aniversario del Partido de Lomas de Zamora, y fue el segundo recital de este tipo, luego del que brindara en abril de este mismo año Joaquín Sabina.

En una magnifica noche primaveral, y ante más de 32 mil personas, Serrat subió al escenario montado de espaldas ala tribuna Valentín Suárezpoco después de las nueve de la noche, y de que el Intendente Martín Insaurralde diera un breve pero muy emotivo discurso de bienvenida al público.

El show abrió con “Hoy puede ser un gran día” y “De vez en cuando la vida” (dos de sus grandes obras) y no perdió oportunidad de dejar en claro donde estaba, cuando al saludar dijo “Estoy muy feliz de que se hayan acordado de mí para festejar el aniversario de la ciudad,  y de que sea en un lugar tan especial como la cancha del Taladro”.

El Nano logra una comunión especial con el público: Además de ser un gran compositor y cantante, es un poeta que logra acaparar la atención por completo cuando habla frente a una multitud. Y es que esos monólogos, son verdaderos relatos, profundos y emotivos que tocan la fibra mas profunda del publico presente, sea o no, seguidor de antaño de su obra.

Esta presencia narrativa se hizo muy fuerte en la noche banfileña cuando hizo la introducción a su tema “Nanas de la Cebolla”, tema inspirado en la obra del poeta español desaparecido por “las atrocidades del régimen de Franco”, Miguel Hernández. “Fue un extraordinario poeta, que vivió absolutamente cómplice de la realidad del tiempo que le tocó. Creo que hoy estaría celebrando con nosotros esta fiesta solidaria”, dijo Serrat, al tiempo que recordó que grabó parte de esta obra “el mismo año que el Taladro salió campeón”.

Es que Serrat tiene un fuerte compromiso político atono con las políticas nacionales en materia de derechos humanos. Serrat fue un opositor a la dictadura deFrancisco Francoen España y aun hoy recuerda y denuncia sus actos: Durante “Para la libertad”, se proyectaron en la pantalla del escenario recortes de diarios de la época franquista que mostraban la postura de diferentes medios sobre esa dictadura.

Es que justamente, si el recital fue sencillo desde lo audiovisual, fue muy potente desde lo conceptual, ya que en esa pantalla se podían ver imágenes diseñadas para el show que coqueteaba con el Art Nouveau o el postimpresionismo, entremezcladas con varias fotografías y animaciones. Toda una muestra pictórica en movimiento.

El recital se prolongó por más de dos horas y no faltaron las clásicas “Mediterráneo”, “Aquellas pequeñas cosas”, “Esos locos bajitos”, “Se equivocó la paloma”, “Penélope”, “Tu nombre me sabe a hierba”  y “Cantares” que abrió el camino al cierre con dos falsos bises, demás de algunos temas de “Hijos de la luz y de la sombra”, su último disco. El show finalizó con las dos canciones más pedidas por el público: “Lucía” y “Fiesta”.

Con una excelente calidad de sonido y organización en los accesos, y así como dijimos con la presentación de Sabina en el Lencho, sin dudas este es el comienzo de una larga lista de recitales en esta excelente sede que es la cancha de Banfield, que beneficia a todos los habitantes del sur del GBA.

 Porque en la cancha de Banfield ya no solo se dan vueltas olímpicas, ahora también hay recitales.

Por Hernán Bañez.